Rick Owens, Tempel der Liebe: zwischen Kreation und Anprangerung
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Bis zum 4. Januar ist die Ausstellung Rick Owens, Temple of Love zu sehen, die die Arbeit des amerikanischen Designers ins Rampenlicht rückt, zwischen kreativer Erkundung und Reflexion über die Welt. Sie zeigt die grafischen Silhouetten, die im Laufe der Jahre entstanden sind, und legt den Fokus auf die Symbolik der vom Künstler gestalteten Kollektionen. Mehr als nur Mode sind seine Kreationen sowohl ein autobiografisches Narrativ als auch ein Mittel, um die Laster der Gesellschaft anzuprangern. Ein Besuch, der sowohl persönlich als auch spektakulär ist, sollte zum Jahresende nicht verpasst werden.
Rick Owens, Modedesigner und Botschafter von Botschaften
Die Ausstellung Rick Owens, Temple of Love entfaltet sich durch eine sowohl theatralische als auch persönliche Szenografie, die das weite Feld der Kreativität des Künstlers zeigt. Sei es durch Kleidung, Möbel oder über die Jahre gesammelte Objekte, die Installation unterstreicht die Bedeutung der Schöpfung im Alltag des Künstlers sowie den Dialog zwischen den Künsten, der sein Denken nährt.
Als künstlerischer Leiter in Zusammenarbeit mit dem Palais Galliera für diese erste Ausstellung, die seinem Werk gewidmet ist, bietet uns Rick Owens einen tiefen Einblick in sein mystisches und skulpturales Universum, das sich über mehrere Räume erstreckt und durch Außeninstallationen ergänzt wird.
Tatsächlich erstrecken sich mit Drapierungen umhüllte Statuen, Blumenbeete inspiriert von seiner Vergangenheit und PONGS-Skulpturen mit brutalistischen Linien über den Besuchsweg hinaus, und das Mode-Museum wird mehr denn je zu einem Tempel der Schöpfung im weitesten Sinne.
Vom Beginn der 90er Jahre bis zu seinen neueren Kreationen hebt der Rundgang durch die Ausstellung Rick Owens, Temple of Love die Reichweite des Werks des Künstlers auf die Modewelt und unsere Gesellschaft hervor, zwischen Protestakten und Botschaften von Liebe und Toleranz.
Die Kleidung als autobiografischer Spiegel
Mitten in den mit Theatralik entblößten Silhouetten in Nischen, die an mystische Kapellen erinnern, entdecken wir zwei Studiotische, bedeckt mit Skizzen, Etiketten, Büchern und anderen Fotos. Zusammen bilden diese Elemente eine Biografie des Künstlers, dessen vielfältige Erfahrungen, Begegnungen und Experimente seine Kunst und seinen Platz in der Modewelt geprägt haben.
Von diesen in der Ausstellung Rick Owens, Temple of Love präsentierten Silhouetten entdecken wir erneut wie die Kunst den Stil des Künstlers geprägt hat, der oft als unkonventionell und brutalistisch beurteilt wird. Insbesondere wie das Bild des Sakralen und die filmischen, musikalischen, historischen und malerischen Referenzen, die er in jungen Jahren entdeckte, die Genesis der Stücke waren, die bei seinen zukünftigen Modenschauen präsentiert wurden.
Wir beobachten die Entwicklung seiner Beziehung zur Kleidung, zu den Materialien (Rückgewinnungsarbeiten…), seinen Farben (Schaffung seines charakteristischen Graus „dust“), der Art und Weise, wie er sie strukturiert, trägt und herausfordert. Man entdeckt den Werdegang eines Kreativen, dessen Karriere mit dem Imitieren der Arbeiten anderer begann, bevor er 1992 sein eigenes Label gründete und seinen Einfluss in der Branche behauptete.
Es sind auch Lebenswege, die sich in diesen Stücken widerspiegeln, auf denen die tumultuöse Vergangenheit von Rick Owens als erzählerischer Faden in einer ruhigeren Gegenwart dient. Von Los Angeles über Paris bis Italien zeugt die Ausstellung von einer wandernden Kreativität, inspiriert von den Orten, den Begegnungen (darunter seine Partnerin Michèle Lamy) und den verschiedenen Fähigkeiten und Handwerkern, die ihn umgeben haben.
Eine Kunst, um zu provozieren und anzuprangern
Über die kreative Entwicklung des Künstlers hinaus hebt die Ausstellung Rick Owens, Temple of Love die Bedeutung der Kleidung als Sprachrohr hervor.
„Ich lehne nichts ab und verurteile nichts, ich biete einfach eine andere Option an“ – Rick Owens
Modenschauen werden als Ausdrucksbühnen genutzt (in Anlehnung an das Konzept der „totalen Kunst“ von Wagner), die Kollektionen und gezeigten Stücke tragen Reflexionen über die Gesellschaft und die Missstände unserer Zeit und ihrer Sitten mit sich.
Ursprünglich gedacht, um zu provozieren, zu schockieren und anzuprangern, haben diese Kreationen die Konzepte des Fremden, der Heuchelei, des Rassenkampfes, der Frauenrechte, des Klimawandels und der patriarchalen Dominanz hinterfragt. Und das sowohl durch ihr Erscheinungsbild als auch durch die Art und Weise, wie sie bei den Modenschauen präsentiert werden.
Über die Jahre wurde jedoch die Wut beiseite gelegt, um die Kreationen mit Botschaften der Zärtlichkeit zu umhüllen. Zwischen Hommagen an Verstorbene und der Erkundung der Ursprünge des Designers wurde die Liebe sein neuer kreativer Motor.
Diese symbolische Entwicklung spiegelt einen neuen Ansatz der Couture wider – mit Silhouetten, die farbenfroher und skulpturaler werden. Diese Suche nach Ruhe und Liebe zeigt sich heute in der Ausstellung durch die drei außenstehenden Statuen, die mit Drapierungen bedeckt sind, Sisters of Mercy, Symbole für Schutz und Frieden.
Im Einklang mit diesem Geist eines lebendigen und sich ständig weiterentwickelnden Werks wird ein Teil der Stücke im Tageslicht ausgestellt, was den konventionellen Regeln der Konservierung widerspricht. Diese Wahl integriert den kreativen Prozess des Künstlers, der mögliche Zerstörungen als Spiegelbild der Lebensprüfungen sieht.
Die Ausstellung, die bis zum 4. Januar 2026 geöffnet ist, stellt eine gute Idee für einen Ausflug zu den Feiertagen dar!
Fotos: Palais Galliera
